发布时间 : 星期一 文章合肥师范学院西方音乐史上学期复习资料更新完毕开始阅读5f577c1ea8114431b90dd865
涅、随想曲、前奏曲、托卡塔、变奏曲。 （四）宗教音乐
1、 德国宗教改革产生的新教音乐是怎样的？
答：德国的宗教音乐改革主要体现在，圣咏不用拉丁文而用德文通俗易唱，并认真吸取尼德兰复调技术，是单声部地新教歌曲成为四部圣咏合唱，旋律在高声部，运用大小调体系，已接近后来的主调风格。
2、 德国新教音乐体裁有：众赞歌、新教圣用。
3、 文艺复兴时期的罗马天主教教会对音乐的要求是怎样的？ 各乐章间形成对比，乐章常是快慢交替的。
7、 通奏低音——巴罗克时期特有的作曲手段，在键盘乐器的乐谱低音声部，表上明确音并表以说明其上方和声的数字，演奏者根据这种提示奏出低音和和声，而该和弦的排列有演奏者自己8、 巴罗克时期的织体：复调织体占主要地位，写作技术达到了空前的高峰，与文艺复兴时期的复调不同，它是建立在和声基础上的对位，同时也有许多作品采用主调织体。
9、 巴罗克时期的乐队结构：弦乐、管乐演奏音乐的旋律声部，古钢琴奏出通奏低音。
演唱，曲调选用流行的德国古老圣歌和民歌，甚至选用世俗曲调，选择，高音声部和低音声部的分离感，也是数字底音的主要表现。
答：格雷高利圣咏应优先于复调；复调音乐中歌词必须清晰可辨；10、巴罗克时期的音乐体裁：声乐：弥撒、经文歌、众赞歌、
反对圣咏和复调中无节制的花唱式旋律；排除世俗音乐对宗教音乐的影响，排除一切含有淫荡地或不虔诚内容的音乐。 4、 简介罗马乐派作曲家帕勒斯特里那的音乐风格。 答：Palestrina(1525——1594)，罗马乐派的代表人物，曾担任过罗马的圣约翰、圣玛利亚大教堂的乐长。它是一位多产作家，作有105首弥撒曲，250余首经文歌和大量奉献经、圣母颂歌等宗教歌曲，130余首宗教和世俗的意大利牧歌。它的弥撒曲采用了16世纪常规弥撒所有的创作方法：定旋律弥撒曲、模拟弥撒曲、卡农弥撒曲和自由弥撒曲。同样，它的经文歌也展示了这一体裁的各种技法。它的作品，旋律流畅，气息宽广、但音乐风格较为保守。谱曲从不破坏歌词音节的重音，也很少运用同时代牧歌中常见的那种半音词汇。总是给不协和音以充分准备和规则解决。对位与和声在它的作品中获得平衡。主要作品有《马采鲁斯教皇弥撒曲》。
5、 简介威尼斯乐派宗教音乐的风格。
答：威尼斯乐派创造出有双重合唱队构成的复调交替圣歌，在合唱中大量使用各种乐器，增加合唱队人数，并且还为合唱队配上不同的乐器组合，以加强合唱队之间的对比。各种合唱对与各种乐器组合互相应和，互相竞争，节奏和力度巧妙的对比和平衡，使教堂音乐的音响扩展到前所未有的宏伟程度，是巴罗克时期协奏风格的先声。 四．巴罗克时期的音乐
1、 巴罗克——一词源于葡萄牙语，意为“形状不规则的珍珠”，是十四世纪西方建筑、雕塑艺术中奇异、变形、夸张甚至荒诞的风格，音乐沿用这个词，实指巴罗克音乐用流利酣畅得多声部旋律、鲜明的强弱对比和音色的对比等。
2、 巴罗克时期音乐的旋律：乐句长短不以，主题较长，无论声乐或器乐，旋律都空前的华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音节。和文艺复兴时期的音乐一样，曲调带有形象性、色彩性的特征，引人注目的是，旋律中有明显的和声属性。
3、 巴罗克时期音乐的节奏：有两种节奏——自由节奏和律动鲜明规整的节奏前者用于宣叙调、前奏曲、托卡塔，后者用于咏叹调、赋格等两种节奏在一个乐章中保持适中，这两种节奏还常搭配使用。
4、 巴罗克音乐的调是：大小调体系取代教会体系。 5、 巴罗克时期的和声：数字低音普遍使用，新的和声观念理论建立，已形成了完整的以主、属、下属为中心的功能和声体系，利用不协和音使调性转换，并使和声的进行富有情感的色彩，十二平均律在十七世纪的发明与和声体系的充分发展有密切关系。
6、 巴罗克时期的音乐情绪：在一个乐章内保持一种基本情绪，格局、清唱剧、康塔塔、受难乐以及各种独唱合唱。器乐：前奏曲、托卡塔、幻想曲、变奏曲、奏鸣曲、组曲、赋格、协奏曲。 （一）歌剧的诞生和早期歌剧
1、 歌剧诞生于十六世纪末和十七世纪初的意大利的佛罗伦萨。
2、 歌剧前身的音乐形式：古希腊悲剧、中世纪的仪式剧、宗教的神秘剧、奇迹剧、文艺复兴时期的幕间剧和田园剧。 3、 幕间剧是插于戏剧幕间的短剧，有精心安排的音乐；田园剧常以神话故事为题材。
4、 《达芙尼》是历史上的第一部歌剧，有里努契尼作剧，佩里作曲。取材于希腊神话。
5、 《优丽狄西》是现存第一部歌剧，有里努契尼作剧，佩里作曲。取材于希腊神话。
6、 最早的歌剧中的音乐形式：歌者的歌唱近似说与唱之间，是一种宣叙调般的旋律；伴奏被减缩到最低限度，仅用键盘乐器和低音弦乐器演奏，以通奏低音的形式支持旋律。
7、 蒙特维尔第奠定的歌剧形式：从音乐的戏剧性出发，自由的运用风俗性或复调性的独唱、合唱、冲唱，并大胆使用当时被视为过于尖锐的和声手法（二度、七度和弦）以增强情绪表现。蒙特维尔迪也是第一个主意到用管弦乐队来为歌剧伴奏的作曲家。它基本上确立了早期乐队的编制，最早运用了弦乐的震音和拨弦奏法。歌剧的结构在它的作品中初步定型：独唱（咏叹调、宣叙调）、重唱（二重、三重）、合唱、管弦乐队及舞蹈综合在一
起。
8、 蒙特维尔第的代表作：《奥菲欧》、《阿丽安娜》 9、 十七世纪威尼斯歌剧的代表人物：卡瓦里、切斯蒂 10、十八世纪意大利那波里歌剧的主要代表人物：A. 斯卡拉蒂 11、那波里歌剧的特点：处理戏剧和音乐以及两者的关系上已高度程式化，即用宣叙调展开剧情，音乐表现则集中于咏叹调。当时的咏叹调已固定采用ABA的反复三段体，采用美声唱法和着重歌手技巧的咏叹调成为人们关心的中心。声乐水平空前发展，加强了歌剧音乐的主调风格。这种单纯追求美声以至后来发展为只重形式而忽略内容的倾向。
12、反始咏叹调：又称反复三段式咏叹调，结构为ABA第一段提示主题，抒发基本情绪；中段或发展第一段主题，或出现新的对比性材料；第三段重复第一段，常加上种种即兴的装饰因素，为歌手提供炫技的机会。
13、A. 斯卡拉蒂确立的歌剧序曲：有速度为快——慢——快的三部分构成，第一部分是快速的双拍子段落，由许多琶音和华丽
的装饰；第二部分是缓慢的插段；第三部分为急速的三拍子段落，
音乐带舞蹈性格。
14、法国歌剧的形成：在意大利歌剧的影响下，结合法国自身的舞台艺术传统（以拉辛、高乃依为代表的古典悲剧和十六世纪末发展起来的芭蕾舞剧）以及文艺复兴时期法国的富于民族特性的尚松风格，都为法国歌剧的诞生作了准备。 15、奠定法国歌剧形式的音乐家：吕利
16、吕利为代表的法国巴罗克歌剧在哪些方面与意大利歌剧不同？
答：吕利创造的法国歌剧形式被称为抒情歌剧，它的宣叙凋比意大利歌剧的宣叙调更带歌唱性，咏叹调比意大利咏叹调更带朗诵性。法国歌剧不用阉人歌手。法国序曲形式为：慢——快——慢。第一部分是慢板，以主调风格和附点节奏为特征。第二部分是快板，运用赋格或近似赋格的风格。最后一开头的慢半部分作简短的再现结束，是一种带在现的二部曲式。独唱歌曲延续了法国宫廷歌谣的传统，大致一个音节配一个音符，音域狭窄，因而限制了歌手的炫技。由于受舞曲的影响，旋律结构方整，低音进行呆板。合唱的主要旋律置于高声部，与管弦乐相结合，整个音响华丽。
17、简介拉莫的历史贡献。
答：拉莫是吕利后一位富于独创性的法国作曲家，他的歌剧作品，在艺术风格上比吕利有更多的旋律性和抒情性，和声的运用清晰、新颖，使用管弦乐队也更为充分。拉莫又是近代和声理论的奠基者，成为后来在理论上和实践中都起很大作用的功能和声的源头。在1722年发表的《和声学教程》中，科学的归纳了大、小调体系理论。
18、英国作曲家普赛尔的歌剧作品：《迪东与伊尼》
19、清唱剧（oratorio）——诞生于意大利的一种宗教内容的大型声乐体裁。一般说，清唱剧是为宗教歌词所作的长篇配乐。它的音乐形式和风格接近于歌剧，表演方式却是音乐会式的，没有布景、服装、和动作。
20、受难乐（Oratorio Psaaion）——产生于十七世纪四十年代的德国，基本歌词取材于《圣经》种“四福音书”关于耶稣受难的故事，插入忏悔祈祷的内容，属于清唱剧形式。
21、康塔塔（cantata）——1600年前后诞生于意大利，是单声音乐风格的产物，规模比清唱剧小，是室内音乐，有对唱、合唱，分宣叙调和咏叹调，最后逐步变为一种大型的声乐体裁。 22、思考题：在巴洛克歌剧发展的不同阶段和流派中，对文本与音乐之间的关系的处理有何不同。
答：最早的歌剧产生于意大利的佛罗伦萨，在当时的歌剧发展中文本与音乐的关系处理主要来源于对古希腊音乐的研究和理解。古希腊音乐是模仿语言音调或节奏的，它寻求声音在不同情感状态下的表现。旋律是表现诗歌内容的载体。歌剧在蒙特威尔第的手中得到了充分的发展，在他的歌剧中对文本与音乐的关系的论述来源于他对柏拉图音乐思想的理解。柏拉图认为音乐中歌词是最重要的，其次才是音响和节奏。同时他和其他古希腊哲学家一样认为音乐具有打动情感和陶冶人格的特性。因此在蒙特委尔第的歌剧中追求在作品中清晰而准确的表达歌词和歌词中的情感。寻求文本与音乐之间的平衡关系。17世纪在罗马歌剧中，关于文本与音乐之间的关系较以前有了较大变化，人们开始更加注重歌剧的音乐，而不是戏剧，同时也更加注重壮观场面给人们带来的愉悦。以神话故事为主的歌剧体裁也有了较大的扩展和改
变。在威尼斯歌剧的发展中也体现了这样的倾向，特别在切斯蒂的歌剧创作中，音乐成为歌剧的首要因素，戏剧则成为音乐的复述。在音乐方面注重独唱，宣叙调与咏叹调明确分开，介于两者之间还有咏絮掉。这种歌剧音乐的形式在其后的有了充分的发展，影响了西方歌剧的发展。在法国歌剧的发展中特别在吕利的歌剧中，认为唱词是最重要的，必须以准确的音调为之谱曲。 在整个的巴洛克时期，在不同的时间和不同的流派中，对歌剧中文本与音乐的关系有着不同的观点和论述，但这种探讨共同构成了对歌剧音乐与文本关系的有效促进。最终使歌剧艺术在音乐与文本之间找到了最佳的契合点。推动了歌剧艺术的发展。 23、巴洛克时期的复调写作与文艺复兴时期的复调创作有什么区别？
随着巴洛克时期“现代风格”，“情感论”“通奏低音”、以及新的和声对位规则的发展和使用，巴罗克时期的复调音乐创作也体现出与文艺复兴时期的创作的不同。
首先由于现在作曲风格的使用以及“情感论的提出”，原来在文艺复兴时期被限制使用的音程，及作曲规则取得了突破。在复调的音乐创作中，为了更好的表现歌词内容，常在作品中采用无预备的不协和音或非正规的解决，并通过自由的处理一些不协和音来加强歌词内容的表现。
巴洛克时期的复调对位传统并没有完全消失，但是伴随
着通奏低音的运用，这些对位手法逐渐被纳入了功能和声进行的框架中，出现了一种新的对位方式，与文艺复兴时期的调式对位相对而言，这可以称之为调性对位。这种调性对位的复调音乐创作在巴赫手中达到了一个前所未有的高峰。
文艺复兴时期的自由流动的复调节奏，伴随着巴洛克时期的节奏变化也发生了改变，这一时期的节奏主要有两种类型，一种是非常规整的，主要运用于一些强调生命激情的舞曲创作中，另外一种是非常自由的，主要用来创作一些比较即兴的独奏曲或模仿语言的宣叙调。这种节奏的变化也推动了记谱法的变化，小节线和C谱表、G谱表、F谱表被系统的使用。这些即呈现了也推动了巴洛克时期复调音乐创作的变化。 （二）器乐
1、 托卡塔（toccata）——愿意为触摸，最早见于16
世纪中叶的琉特琴谱，16世纪后用于键盘乐曲，是一种以显示即兴创作和演奏的体裁。后发展为具有幻想般的气氛，规模较大的炫技性音乐体裁。托卡塔的惯用手法是力度很强的和弦延续，丰富的装饰音，急速的音流。常用延长记号分段，突出各段之间的对比。
2、 赋格曲（fugue）——是一种以模仿复调为基础，即严谨又灵活的形式。赋格的主题有自身的特点，其次是赋格有明确的调组织。此外，灵活生动的节奏也是赋格必不可少的因素。
3、 恰空（chaconne）——是巴罗克时期常见的变奏曲类型的音乐体裁，是三拍子式的舞曲，风格庄重，常常基于一个4小节或8小节的固定低音，或基于一个和声图式，然后不断的反复和变奏，作曲家以此发挥他们的创造才能。（帕萨卡利亚与恰空的区别不大）
4、 简介巴罗克时期的组曲。
答：十七世纪下半叶开始，组曲是巴罗克键盘音乐常用的题材，有一系列松散的小曲组成。这些曲子大多具有舞曲的节奏，织体优美，带有大量装饰音，许多乐曲都加上生动有
趣的标题。法国古钢琴作曲家创作了大量的娱乐性的轻松的变奏曲和舞曲。老一辈的商蓬涅尔第一个将四种不同性质的舞曲编制在一起，从而确定了古作曲的基本结构（1）阿雷曼德
（Allemande）德国鼓舞曲，平稳严肃。4/4拍，中速；（2）库朗特（Courant）法国舞曲，轻快、三拍、快速；萨拉班德朗，音色华丽，节奏活泼，旋律性和色彩性都很强。他敏锐的感受到了时代的新潮流，把巴洛克混乱的主调织体加以整理，是古典主义的先导。
15、《四季》——有意大利作曲家维瓦尔蒂创作的大型小提琴协奏曲，有四首用诗句作标题的大协奏曲组成，是他最负盛（Sarabande）西班牙舞曲，感伤德、三排、慢速；吉格（Gigue）名的经典作品之一。维瓦尔蒂在这部作品中，已将协奏曲的结构
英国舞曲，常用复调（对位、赋格）手法、三排、极快，三四段间可加间奏曲和其他舞曲。后来的库泊兰对组曲的形式巩固起了重要作用。
5、 巴罗克时期最著名的古钢琴作曲家有：法国的商蓬涅尔（Chambonnieres）,库泊兰家族的弗朗索阿．库泊兰（Francois Couperin），拉莫，意大利的多．斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti）等。 6、 十二平均律——再键盘乐器中，将一个八度内的音均分为十二个半音的调律方法叫十二平均律。
7、 教堂奏鸣曲（sonata da chiesa）——音乐较为严肃，一般在教堂内演出，典型的教堂奏鸣曲包含四个对比乐章。第一乐章慢速，4/4拍子，较庄重。第二乐章快速，4/4或2/4拍子，织体常为赋格式模仿对位。第三乐章慢速，2/2拍子，抒情性，带有萨拉班德或加亚尔德舞曲节奏特点。第四乐章快速，2拍子或3拍子，和声性织体，具有库朗特、加沃特、基格或小步舞曲节奏特点。各曲均为二部曲式结构。
8、 室内奏鸣曲（sonata da camera）——有显著的世俗性，主要源于16世纪末成对的舞曲。实际上是由阿勒曼德、库朗特、萨拉班德、基格等一系列舞曲构成的组曲。 9、 独奏奏鸣曲（solo sonata）——有一把小提琴或长笛或其他乐器，加上通奏低音乐器构成的演奏形式。 10、三重奏鸣曲（trio sonata）——有两把小提琴，和通奏低音乐器构成的演奏形式。
11、大协奏曲（concerto grosso）——将乐队分为两组，强调小组与大组之间的对比。小组包含两件（有时更多）独奏乐器和通奏低音，大组一般以弦乐队和通奏低音乐器为基础，有时加上木管乐器。
12、乐队协奏曲——（ripieno concerto ）乐队中的各
乐器既起独奏组的作用，有组成合奏，强调互相之间的对比竞争，具有协奏风格。 13、独奏协奏曲（solo soncerto ）——突出独奏乐区与乐队之间的对比。
14、维瓦尔蒂——是巴罗克晚期对协奏曲发展音影响最大的音乐家。他不仅是一位享誉欧洲的器乐作曲家，而且也是一位歌剧作曲家，同时还创作了大量的康塔塔、经文歌、和清唱剧。他的器乐作品最多，包括三重奏鸣曲、独奏奏鸣曲、约450部各类协奏曲及合奏音乐。他是当时有名的小提琴演奏家，主要写小提琴协奏曲，也写大提琴、大管协奏曲，还是第一位写长笛协奏曲和第一位在乐队中采用单簧管的作曲家。他继托雷利之后完
善了独奏协奏曲的形式，一般为三个乐章，重视快速的第一乐章，是第一乐章的“利都奈洛”（ritornello在这里的意思是“回复”）的形式得以定型。即乐队的全奏与独奏乐器演奏的段落交替出现，主题基本相同的乐队全奏反复出现，其间插入每次不同的，辉煌而充满激情的独奏，构成全奏——独奏——全奏——独奏——全奏……-它的音乐风格具有威尼斯人的热情和平民的开
精炼为三个乐章（快慢快）这对器乐的发展产生了深远的影响。 （三）巴赫和亨德尔
1、 巴赫最杰出的写作技巧是：复调手法，被后世称为复调大师。
2、 巴赫为什么被称为继往开来的人物？
答：巴赫的创作显示出他是一位对位法大师，包
括提琴这样的主调乐器，他都能富于极其美妙的复调对位。巴赫娴熟、完美的驾御各种复调手法，以至使发展了几个世纪的复调音乐达到了最后的高峰。同时，巴赫又表现出创作主题旋律的巨大才能。它的旋律更器乐化，个性鲜明而精炼。他
将丰富的和声、调性的转换，融于赋格曲这类复杂、高级的复调形式之中。高度的复调思维与新颖生动的主调手法并用成为巴赫最重要的创作成就。
18世纪流行于欧洲的各种音乐风格与形式在巴赫的受众不但得到了完美的继承，而且更被发展到了新的高度，其作品不仅数量巨大，而且都具有极高的质量，既有十分简洁而极有个性的主题，又有丰富的想象和强烈的表现，以及异常完美的音乐技巧，正是这一切使巴赫称为音乐历史上一个继往开来的关键人物。
3、 巴赫的作品：宗教作品：《马太受难乐》、《b小调弥撒》
管风琴作品：《帕萨卡利亚》、《a小调前奏曲与赋格》、《d小调托卡塔与赋格》
古钢琴作品：《创意曲》、《平均律钢琴曲集》、《法国组曲》、《英国组曲》
独奏器乐曲：《大提琴组曲》、《无伴奏小提琴奏鸣曲和帕蒂塔》
管弦乐曲：《勃兰登堡协奏曲》 4、 亨德尔在那两种音乐体裁中有突出成绩：歌剧、清唱剧。 5、 为什么亨德尔的歌剧写作受到挫折，它的歌剧有什么特点？
答：由于经历了此产阶级革命的英国市民，厌倦
了皇家崇尚外国艺术的风气，国内《乞丐歌剧》的上演也冲击了正歌剧的市场。人民需要具有民族风格和时代性的音乐形式。
亨德尔的歌剧延续了意大利的正歌剧的传统，结构遵循叙述情节的宣叙调与抒发感情的咏叹调相交替的格式。咏叹调的类型极为丰富，从华丽的花腔到悲凄的歌唱，从雄浑有力，富有英雄气概到节奏生动的舞蹈性歌曲应有尽有。为增强音乐戏剧性，常采用带伴奏的宣叙调。亨德尔十分重视管弦乐在歌剧中
的作用，有战争场景、田园场景、奇幻场景的描绘音乐。他还擅长于戏剧场面的组织，在场面变化的同时伴以种种调性的变化，造成音乐的交替效果。
6、 亨德尔清唱剧创作的特点，简介《弥赛亚》。 答：亨德尔的清唱剧主要取材于信封新教的英国群众所尊崇的圣经，配上庄严强劲、气势雄浑的领唱、合唱，富于清唱剧以前所
未有的英雄性和史诗性。其作品具有生气盎然的情绪，清晰明快的音乐风格。
作于40年代的《弥赛亚》是一部非戏剧性的清唱剧，全局的三个部分讲述耶稣诞生的预演和实现，受难，复活。歌词来源于《旧约．圣经》，用一种间接的，象征的方式叙述。宣叙调只起引入咏叹调或合唱的作用。咏叹调则极其丰富独创。他自由的运用返始咏叹调，在情绪抒发有较强要求是，为旋律添加大量炫技性脱腔。合唱音乐简朴浑厚，常以复调与主调织体交替出现，答：格鲁克改革的主旨是：质朴和真实是一切艺术作品的美的伟大原则；歌剧中音乐的“真正使命”是“和诗配合，以便加强情感的表现”。
在他的歌剧中，宣叙调占有重要地位，并且加强了旋律性，使其具有细致的情感表现力。他精炼戏剧结构，删去咏叹调中华丽炫技的部分，追求朴实无华的真情流露。它的序曲不再是脱离歌剧整体而孤立存在的东西，而是预示剧情的有机部分；歌举重的合唱、舞蹈都随剧情需要而存在，不能任意加添；格鲁克还在从模仿复调开始，逐渐专成和声坚实有力的段落。《弥赛亚》中对于独唱与合唱结合，独唱与合唱与管弦乐队结合的处理，显示出亨德尔高超的技巧和天才的创造力。《弥赛亚》是亨德尔清唱剧创作高潮时期的代表。
亨德而重要的器乐作品：《E大调变奏曲》（和谐的铁匠）、《水上音乐》、《皇家烟火音乐》 五、古典时期的音乐
1、 古典主义时期音乐中的情绪：古典主义崇尚理性，讲究感情约束以及和谐均衡。
2、 古典主义时期音乐的旋律的特点：旋律结构以不同于巴罗克时期的流态运动，常常是方整的。
3、 古典主义时期音乐的节奏：节奏形成了周期性结构 4、 古典主义时期音乐的调式：大小调体系已得到充分发
展。
5、 古典主义时期音乐的织题：
主调织体占据重要地位，从而旋律成了最重要的织体成分，低音及和，声仅起伴奏作作用，阿尔贝蒂低音就是这种织体的典型。 6、 古典主义时期音乐的音乐体裁：声乐：喜歌剧、艺术歌曲；器乐：交响曲、协奏曲、室内乐
7、 古典主义时期的管弦乐队编制：18世纪的管弦乐队的规模因演奏场合而异。管弦乐队的固定乐器是弦乐组、2支双簧管、2支大管、有时长笛可以替换双簧管。18世纪下半叶，单簧管才逐步加入管弦乐队。当时位追求辉煌明亮的效果，常运用小号和定音鼓，木管乐器也逐渐引入到管弦乐队中来。 （一）歌剧
1、 喜歌剧（poera buffa）——18世纪出现的喜歌剧，是相对于传统的正歌剧而言得一种新风格的声乐形式。它的前身是在意大利的一种插在正歌剧幕间演出的轻松小戏，或正歌剧中滑稽角色所唱的绕口令式的诙谐段落。取材于日常生活，采用生动活泼的对白与通俗流行的曲调，形式雅俗共赏，风格幽默调皮。
2、 正歌剧（opera seria）——意大利正歌剧的题材多
取自于古代神话或古罗马历史，每部歌剧包含5幕15场，由宣叙调和咏叹调互相交替组成，松散的宣叙调用于叙事和发展剧清，结构清晰的咏叹调服务于感情的静止抒发。其美学目标不在于创造音乐与戏剧的统一体，而是炫耀歌者的高超技巧。
3、 喜歌剧之争——1752年意大利歌剧团在巴黎演出
《管家女仆》，引起了有名的喜歌剧之争。以“皇家音乐研究院”为首的一派，坚持贵族宫廷的艺术趣味，竭力维护所谓“法国传统”；而以启蒙运动代表人物卢梭为首的另一方，热情赞颂意大利喜歌剧的新鲜与活力，尖锐批评法国歌剧的华而不实。这场争论促进了法国喜歌剧的发展。
4、 格鲁克歌剧改革表现那在那些具体的方面？歌剧代表作有哪些？
记谱时废除了数字低音，而代之以具有明确的各声部的近代写法。
作品有：《奥非欧与优丽狄西》
（二）古典交响乐套曲和奏鸣曲式的形成 1、 古典交响曲的形成与那些体裁有关：三重奏鸣曲、大协奏曲、歌剧序曲、组曲。
2、 简介曼海姆乐派极其音乐特点。 答：在分裂的德国境内曼海姆地区，以约．斯塔米兹为首的一批来自欧洲的音乐家云集这里，创作与演出十分活跃，并有重大影响，被称为“曼海姆乐派”
曼海姆乐派的创作已有鲜明的主调风格，结构明晰，旋律轻捷、和声简明。他们确立了古典交响曲套曲包含快板——行板——小步舞曲——终曲的四乐章结构格式，乐章内有两个对比的主题；重视以小提琴为中心的旋律，多为旋律处于支配地位的主调织体；废除巴罗克乐队通奏低音的简略记普法，写奏包含全部管弦乐声部的总谱；重视管乐器，增加音乐的色彩感；仔细安排音响的渐强和渐弱，常出出现乐队突然爆发的强奏和休止。曼海姆乐派的交响曲接近法国的华丽风格，以及意大利的清新和富有活力。 3、 曼海姆乐队的编制是怎样的？演奏有什么特别之处？
答：曼海姆乐队的编制已相当完整，曼海姆乐派的创始人
约．斯塔米兹将乐队人数增加到56人，极大的提高了乐队的演奏水平。重视管乐器，增加音乐的色彩感；仔细安排音响的渐强和渐弱，常出出现乐队突然爆发的强奏和休止。增强了管弦乐队表达情感幅度的能力。
4、 简介K.P.E巴赫及其音乐特点。
答：K.P.E巴赫是巴赫的次子，是柏林乐派的代表人物，他是后来曾给贝多芬以重大影响的作曲家之一。它的主要贡献在于开创了近代钢琴奏鸣曲的先河，是近代钢琴奏鸣曲的奠基人。他接受德国启蒙思潮——狂飙运动的影响，力求用音乐表达更为深刻、强烈的感情。在他的奏鸣曲及交响乐中，既有他父亲作品里蕴藏的德国式的阴郁、凝重，但又有新时代、心思潮所具有的一种挣脱压抑的冲击力量。他的钢琴奏鸣曲中所包含的戏剧性，比同期的D.斯卡拉蒂的作品更强烈。 （三）维也纳古典乐派
1、 维也纳乐派——海顿、莫扎特、贝多芬三位大师，
先后以维也纳为生活、创作的中心地，他们之间有着内在的深刻的继承关系，共同对欧洲音乐产生了久远的影响，被后人称为是“维也纳古典乐派”。
2、简介古典主义时期奏鸣曲和奏鸣曲式。
答：奏鸣曲是包含有奏鸣曲式在内按一定模式构成的大型器乐独奏套曲的总称。奏鸣曲式是基于主题的呈示、展开与回归的大型器乐曲式。奏鸣曲式由三个乐部组成，即呈示部、展开部、与再
现部。奏鸣曲与奏鸣曲式是两各既有联系又有区别的名词。前者是以奏鸣曲是为第一乐章的大型器乐套曲的名称，或者说是一种“题材”的称谓，后者是指一种将定的曲式称谓。
2、 海顿是如何确立交响曲模式的？
答：海顿早期在宫廷工作的经历使他创作了大量的交响曲，时期摸索并娴熟驾驭了交响曲形式的结构手法。八十年代他与莫扎特得亲密交往，使他思想艺术上都受到莫扎特交响曲创作的影响。晚期的创作标志了古典交响曲形式的成熟。第一乐章，快板奏鸣的扩展导致表现手法的创新：他突破了传统的曲式布局，动机性的主题运用和动力型的乐思发展，是音乐具有非凡的气势和力量；建立在功能基础上的离调变音体系，成为贝多芬的和声风格特征；灵活的离调转调和大幅度的节奏对比及力度对比，对于刻画矛盾冲突和戏剧性发展起到重要作用。此外，对位法的运用，乐队音响的组合，钢琴音乐的写作，都有鲜明的特点。
14、贝多芬对古典奏鸣曲式和交响套曲的发展表现在哪些答：贝多芬最重要的贡献，是在对奏鸣—交响套曲的发展方面？
曲式；第二乐章，抒情歌唱性的三部曲式或变奏曲式；第三乐章，
小步舞曲性的三部曲式；第四乐章，舞曲性的回旋曲式。 3、 海顿交响曲的第一乐章常用一个缓慢的引子，与接下来的快板部分形成对比。 4、 海顿的交响曲的首、末乐章，经常使用展开主题短小动机的发展手法。
5、 海顿确立的弦乐四重奏已确定为和交响曲相同的四乐章结构，他废除了数字低音，明确了弦乐四声部，声部间更为协调，均衡，不再强调第一小提琴。 6、 海顿的宗教作品：《创世纪》、《四季》
7、 海顿所确立的管弦乐队编制为：海顿采用双管制乐队，划分成弦乐组（以弦乐四重奏的四个声部为基础），木管（长笛、双簧管、单簧管、大管各两支），铜管（圆号、小号各两支）三个乐器组，以及定音鼓和其他打击乐器。
8、 莫扎特歌剧创作的特点及主要的三部作品。 答：莫扎特主张“诗必须服从于音乐”。他的歌剧具有强烈的音乐感染力，旋律非常优美、流畅、自然而深情，宣叙调也富有歌唱性。不同类型的音乐，将各种人物形象、性格塑造的鲜明而生动。重唱形式，被莫扎特作为安排戏剧性冲突和高潮的重要手段。序曲简练、个性化，在音乐的性质上 与全剧有了更多的内在联系。《费加罗的婚礼》、《唐璜》、《魔笛》
9、 在交响曲的第一乐章中，莫扎特去掉了以往交响曲的
引子，主副部主题间形象对比强烈，和声、调性上大胆的构思，使展开部的不稳定幅度得到加强。从而区别于海顿的交响曲。
10、莫扎特确立的古典协奏曲模式是怎样的？
答：1）第一乐章为双呈示部的奏鸣曲式结构。2）第一乐章的尾声之前，乐队停留在终止四六和弦上，随即开始独奏乐器炫技性的“华彩段”。3）第二乐章像一首抒情的咏叹调，可听到歌唱般的悠长旋律。4）终止乐章一般为回旋曲式或奏鸣曲回旋曲式，常采用民歌风格的主题，既带炫技性，有散发出明朗乐观的生活气息。 11、华彩段——有以显示独奏家高超的演奏技巧和联系乐章主题即兴发挥的能力的独奏乐器炫技性的段落。
12、双呈示部——由乐队提示出第一呈示部，两个主题均建立在主调上，独奏乐器进入与乐队共同演奏的第二呈示部再次奏出两个主题，形成主调与属调的对比，就是双呈示部格局。
13、贝多芬的音乐有那些与海顿、莫扎特不同的特点，体现在哪些方面？
答：1）音乐脱离了以往的装饰性和娱乐性，具有更为深刻的社会性和思想性 2）作品的内容和情感比以前博大丰富的多。
主要表现在：他极大的扩展了交响乐的思想内容，使之成
为直接反映社会变革的体裁；钢琴的表现幅度也大大增强。内容
和创新上。奏鸣曲是在贝多芬的创作中，各部分结构、互相对比的性质及独立的形象意义都有所扩大。每段内部都包含的发展性质，在展开部表现的更集中、更激烈。成为整个奏鸣曲式的重心。他的套曲各乐章之间，即使对比并置的关系，在内容，形象上又互相联系。由于音乐材料的连贯性，使套曲保持了高度的严谨和统一。乐章的数目、所用曲式的次序都突破了古典乐派的典型章法，特别是将谐谑曲引进交响曲，取代了具有贵族宫廷典雅气质的小部舞曲，并赋予这种谐谑性质的乐章以豪放泼辣的气质。变奏曲式以至幻想曲也被自由的组织进套曲结构之中。
15、贝多芬的具体写作手法如节奏、力度、和声、调性、
配器等有哪些特点/ 答：在音乐的具体表现手法上，贝多芬有自己独特的风格。他的旋律继承海顿式的动机展开的手法，又吸取莫扎特旋律的深情，而形成简洁、粗犷、质朴、热情的特征。节奏上频繁的变幻，切分和休止所造成的动力性、不平衡感，和声、调性上不谐和、不稳定范围的夸大，力度上大幅度的起伏等等，构成了贝多芬那种强烈的感染力量和宏篇巨制的气魄。在配器上，他显然受到法国大型器乐曲的影响，重视发挥铜管、木管的作用。乐队的编制和表现力也明显超出海顿、莫扎特时期。
16、贝多芬的三部著名交响曲：《第三交响曲“英雄”》、《第五交响曲“命运”》、《第六交响曲“田园”》、《第九交响曲“合唱”》。
17、歌剧作品：《费德里奥》